La Joconde, ou Portrait de Mona Lisa, est un tableau de Léonard de Vinci, réalisé entre 1503 et 1506, qui représente un buste, probablement celui de la florentine Mona Lisa del Giocondo. Cette peinture à l'huile sur panneau de bois de peuplier de 77 x 53 cmest exposée au musée du Louvre à Paris. La Joconde est l'un des rares tableaux attribués de façon certaine à Léonard de Vinci.
La Joconde est devenue un tableau éminemment célèbre car, depuis sa réalisation, nombre d'artistes l'ont prise comme référence. Elle constitue en effet l'aboutissement des recherches du xve siècle sur la représentation du portrait. À l'époque romantique, les artistes ont été fascinés par l'énigme de La Joconde et ont contribué à développer le mythe qui l'entoure, en faisant de ce tableau l’une des œuvres d'art les plus célèbres du monde, si ce n'est la plus célèbre. Au xxie siècle, elle est devenue l'objet d'art le plus visité au monde, juste devant le diamant Hope.
La Cène de Léonard de Vinci est une peinture murale à la détrempe (tempera) de 460 × 880 cm, réalisée de 1494 à 1498 pour le réfectoire du couvent dominicain de Santa Maria delle Grazie à Milan qui
était considérée jusqu'au milieu du xixe siècle comme son chef-d'œuvre.
La Création d'Adam est l'une des neuf fresques inspirées de la Genèse, peintes par Michel Ange sur la partie centrale de la voûte de la chapelle Sixtine, dans la cité du Vatican à Rome. Elle constitue la quatrième histoire de cette série de neuf, précédée par la Séparation de la Terre et des Eaux, et suivie par la Création d'Eve. Bien qu'évoquée relativement tôt dans la Genèse, donc dans la séquence des fresques ornant la voûte, la Création d'Adam n'a été achevée par Michel Ange que tardivement, vers 1511, alors que l'exécution de la voûte centrale dura de 1508 à 1512.
La Création d'Adam fait spécifiquement référence à la Genèse 1, 26-27 : "Dieu créa l'homme à son image, à l'image de Dieu il le créa". L'oeuvre est particulièrement célèbre par le détail dans lequel l'index de Dieu, rejoignant celui d'Adam, donne vie à l'Homme.
Le Jugement dernier est une fresque biblique représentant le Jugement dernier, peinte par Michel-Ange sur le mur de l'autel de lachapelle Sixtine au Vatican au xvie siècle (Renaissance) sur la commande du pape Clément VII (Il est alors âgé de soixante ans et réalise cette œuvre en six ans).
Portrait présumé de Gabrielle d'Estrées et de sa sœur la duchesse de Villars, Ecole de Fontainebleau, anonyme, vers 1594, musée du Louvre.
Empereur Rodolphe II en Vertumne, par Giuseppe Arcimboldo (maintenant àSkokloster Château , Suède).
Les Époux Arnolfini est le nom donné à une peinture sur bois (82 x 60 cm) de Jan van Eyck datant de 1434. Il représente Giovanni Arnolfini, riche marchand toscan établi à Bruges et son épouse Giovanna Cenami. Le sujet exact du tableau est un sujet de discussion pour les historiens de l'art. Selon Erwin Panofsky, il s'agirait du mariage des deux personnages, célébré en secret, mais dont Van Eyck témoignerait ici. Cependant, cette théorie est aujourd'hui largement abandonnée. Il n'en reste pas moins que cette peinture est considérée comme une des œuvres majeures de l'artiste. Il s'agit de l'un des plus anciens portraits non hagiographiques conservés. En outre, par son réalisme, la peinture livre de nombreux détails sur les conditions de vie matérielle de l'époque. Le tableau représente le couple en pied dans la chambre de leur appartement, l'homme tendant sa main à la femme. La pose est hiératique et solennelle, ce qui se comprenait lorsque l'hypothèse du mariage avait cours; certaines critiques y ont plutôt vu une marque d'ironie de la part du peintre.
Les Ménines, également connu sous l'appellation La famille de Philippe IV, est le portrait le plus célèbre de Diego Velázquez. Il a été peint en 1656. Le tableau est présenté au Musée du Prado deMadrid. La composition complexe et énigmatique de la toile interroge le lien entre réalité et illusion et crée une relation incertaine entre celui qui regarde la toile et les personnages qui y sont dépeints. Cette complexité a été la source de nombreuses analyses qui font de cette toile l'une des plus commentées de l'histoire de la peinture occidentale.
Ce tableau dépeint une grande pièce du palais de l'Alcázar de Madrid du roi Philippe IV d'Espagne dans laquelle se trouvent plusieurs personnages de la cour. La jeune infante Marguerite-Thérèse est entourée de demoiselles d'honneur, d'un chaperon, d'un garde du corps, d'une naine, d'un nain et d'un chien. Derrière eux Vélazquez se représente lui-même en train de peindre, regardant au-delà la peinture, comme s'il regardait directement l'observateur de la toile. Un miroir à l'arrière plan réfléchit les images de la reine et du roi en train d'être peints par Velázquez (ou peut être, selon certains universitaires, réfléchissant le tableau que peint Vélazquez représentant le roi et la reine). Par le jeu de miroir, le couple royal semble être placé hors de la peinture, à l'endroit même où un observateur se placerait pour voir celle-ci. Au fond, Nieto Velázquez, un possible parent du peintre, apparaît à contre jour, comme une silhouette, sur une courte volée de marches tenant d'une main un rideau qui s'ouvre sur un incertain mur ou espace vide.
Les Ménines est reconnu comme l'une des toiles les plus importantes de la peinture occidentale. Le peintre baroque Luca Giordanoa dit de cette peinture qu'elle représente la « théologie de la peinture » tandis que Thomas Lawrence la qualifia de « philosophie de l'art ».
Les Hasards heureux de l'escarpolette est le titre d'une scène galante peinte par Jean Honoré Fragonard entre 1767 et 1768. La toile a été commandée par le baron de Saint-Jullien, receveur général des finances du clergé, qui donna à Fragonard les recommandations suivantes : « Je désirerais que vous peignissiez Madame sur une escarpolette qu'un évêque mettrait en branle. Vous me placerez de façon, moi, que je sois à portée de voir les jambes de cette belle enfant et mieux même, si vous voulez égayer votre tableau ». La scène est décrite par Pierre Cabanne, dans son livre Fragonard, comme une « image de marivaudagebadin ».Le tableau est actuellement exposé à Londres, Wallace Collection.
La Liberté guidant le peuple est une huile sur toile d'Eugène Delacroix réalisée en 1830, inspirée de la révolution des Trois Glorieuses. Présentée au public au Salon de Paris de 1831, l'œuvre est transférée du musée du Luxembourg (où elle était exposée depuis 1863) au musée du Louvre en 1874. Par son aspect allégorique et sa portée politique, elle a été fréquemment choisie comme symbole de la République française ou de la démocratie.
Le Déjeuner sur l'herbe est un tableau d'Édouard Manet datant de 1862-1863, d'abord intitulé Le Bain, puis La Partie carrée, qui a provoqué un scandale lorsqu'il a été proposé au Salon de Paris.
La juxtaposition d'une femme nue « ordinaire », regardant le public, et de deux hommes tout habillés a suscité la controverse lorsque l'œuvre a été exposée pour la première fois au Salon des Refusés en 1863.
La Série des Cathédrales de Rouen désigne trente tableaux peint par Claude Monet représentant des vues différentes de la cathédrale Notre-Dame de Rouen, réalisées de 1892 à 1893.
Champ de blé aux corbeaux est une peinture à l'huile réalisée par le peintre Vincent Van Gogh en juillet 1890.
Les critiques et historiens d'art voient généralement dans ce tableau une représentation de l'état d'esprit préoccupé de van Gogh, avec un ciel foncé et menaçant, l'indécision de trois chemins allant dans différentes directions et les corbeaux noirs, signes de pressentiment ou même de mort. Van Gogh s'est en effet suicidé quelques jours après avoir peint ce tableau.
On croit généralement qu'il s'agit de la dernière œuvre de Van Gogh avant sa mort, certains ayant même soutenu qu'il s'est suicidé d'une balle dans la tête alors qu'il le peignait. C'est d'ailleurs ainsi que les choses sont présentées dans le film la Vie passionnée de Vincent van Gogh. Cependant, il n'y a aucune preuve permettant de soutenir cette idée, d'autant que quelques spécialistes attribuent à Van Gogh sept autres tableaux réalisés après celui-ci, et que ce n'est pas dans la tête que le peintre s'est tiré une balle mais dans la poitrine.
Cette peinture fait aujourd'hui partie de la collection du musée van Gogh à Amsterdam.
Le Rêve est un tableau du Douanier Rousseau peint en 1910. Il est actuellement conservé au Museum of Modern Art de New York.
(Source wikipédia)
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